Jack Douglas : Les années Aerosmith

« J’ai dit à Mick que si jamais je trouvais mon livre dans la section bio rock d’une librairie, je le tuerais« , dit Douglas au téléphone depuis son domicile à Nyack, N.Y. « C’est essentiellement un roman, mais il est basé sur moi en tant que protagoniste parce que j’ai eu une vie très étrange, la musique n’en faisant qu’une partie. Beaucoup de personnages intéressants sont passés par là« .

Donc, ok ca sera en partie un roman, mais ici, nous allons nous concentrer sur la musique, avec des extraits d’une conférence de 45 minutes. Douglas n’est pas un interviewé réticent. (Ceci est la première partie d’une histoire en deux parties).

Douglas a eu 73 ans en 2019, mais il n’a pas encore pensé à prendre sa retraite. Il a un curriculum vitae aussi long que votre bras – Aerosmith, Cheap Trick, Alice Cooper, New York Dolls, Patti Smith, Lou Reed et John Lennon et Yoko Ono sont parmi les artistes avec lesquels il a travaillé.

Il s’attend à ce que, le moment venu, il meure avec ses bottes aux pieds. « Je devrais me contenter de m’écrouler sur la table de mixage ou sur un clavier« , dit Douglas. « Vous savez, George Martin était un bon ami à moi et il y allait encore avec deux appareils auditifs dans les oreilles.« 

Il a commencé à travailler avec Aerosmith sur leur deuxième album, Get Your Wings, en 1974, et a continué à les produire pour leurs trois albums suivants, tous des classiques : Toys in the Attic, en 1975, Rocks, en 1976, et Draw the Line, en 1977.

Vous avez une relation de longue date avec Aerosmith, qui se poursuit par votre travail sur le disque de Joe Perry en 2018, le Sweetzerland Manifesto. Comment cette relation a-t-elle débuté et pourquoi s’est-elle poursuivie ?

Jack Douglas : Je travaillais sur le premier album [éponyme] des New York Dolls en tant qu’ingénieur chez Recod Plant à New York. Todd Rundgren en était le producteur. Todd ne s’intéressait pas vraiment au groupe. Il ne correspondait pas du tout. Todd est un producteur brillant, mais plus dans le sens « pop » et les Dolls étaient une sorte de groupe de rue, un des débuts du punk. Et je les connaissais très bien. J’allais au Mercer Arts Center ; je vivais dans l’East Village, je faisais partie de cette scène là-bas avec Lou [Reed] et Patti [Smith]. J’étais une sorte de lien entre le centre-ville et le groupe, alors ils m’ont fait jouer en tant que jeune ingénieur.

Je me souviens que [Rundgren] s’est tourné vers moi pendant que le groupe jouait, en disant « Mon Dieu, ils sont horribles« . Et moi, je disais : « Oui, mais dans le bon sens. Ils semblent faire ce son qui est vraiment nouveau et original. » Quand ils faisaient « Personality Crisis » ou une de ces choses, David [Johansen] chantait une voix de référence et ne sachant pas quoi dire d’autre, Todd a dit, « Ça va être génial une fois qu’on aura mis beaucoup d’harmonie. Et David s’est retourné et a dit : « De l’harmonie ?! Tu m’accuses d’avoir de la mélodie ? » Ce qui était un peu énervant, mais Todd a pris ça au sérieux et nous n’avons pas beaucoup vu Todd après ça. »

Avez-vous pris la relève ?

Je n’ai pas pris le relais parce que je ne pensais pas être le producteur. Nous l’avons juste fait et Todd s’est présenté de temps en temps. Nous avons tenu le label à distance pour qu’ils ne sachent pas qu’il s’agissait d’un navire sans gouvernail et les responsables ont contribué à le maintenir à flot en ne laissant personne savoir qu’il n’y avait que nous à l’intérieur. Ils étaient dans la conspiration. Et nous avons réussi à faire en sorte que le disque soit terminé. Todd est arrivé et nous avons fait le mixage en quelques jours, peut-être un jour. C’était un groupe important pour Leber-Krebs [la société de gestion] et Leber-Krebs avait un groupe naissant, qui était Aerosmith. Ils avaient déjà fait un disque et étaient sur le point d’avoir un certain succès avec le single du premier disque, qui était « Dream On ».

Le label a contacté Bob Ezrin, qui était un ami très proche – je travaillais sur les disques d’Alice Cooper avec Bob – et lui a demandé s’il voulait produire le groupe. Il n’a rien vu du tout dans le groupe en écoutant le premier disque, mais il a suggéré que je produise le disque. Il me disait toujours que j’avais un penchant naturel pour être producteur. Alors, quand il a mentionné mon nom à Leber-Krebs, Leber-Krebs s’est dit : « Wow, ce type a vécu tout ce fiasco des Dolls et a fait un assez bon disque, alors bien sûr, ça peut le faire ». J’ai reçu un appel pour aller à Boston voir le groupe. J’y suis allé et j’ai vu le groupe jouer dans un lycée et je suis tombé amoureux d’eux. Ils jouaient le genre de rock que j’avais joué dans des groupes pendant des années – Yardbirds, Stones, ce genre de sensation brute. Nous avons parlé de guitares, d’amplis et de pédales et en coulisses, nous nous sommes tout de suite entendus. Nous avions tellement de choses en commun. Steven [Tyler] était une sorte de gars du Bronx, à Yonkers, tout comme Joey [Kramer], très Bronx-Yonkers. Nous nous sommes entendus et j’ai reçu un appel pour que je fasse le disque, alors nous sommes allés faire « Get Your Wings » à New York.

Comment les avez-vous aidés à atteindre leurs objectifs ?

Quand nous sommes arrivés à « Toys in the Attic », nous avions passé au moins deux mois en pré-production. J’ai compris qu’ils ne pouvaient pas écrire sur la route. Nous passions beaucoup de temps en pré-production et nous pouvions trouver beaucoup de bons matériaux. J’ai compris et j’ai appris à connaître chaque membre du groupe, non seulement en tant qu’associé mais aussi en tant qu’ami. J’ai compris ce que chaque membre de la bande apportait à la table. Je savais que si [le guitariste] Joe [Perry] venait me voir avec ce morceau, la suite de ce morceau serait quelque chose que peut-être [le guitariste] Brad [Whitford] aurait fait. Je pouvais faire le tour de la pièce et nous pouvions continuer à ajouter des choses. Steven est vraiment un musicien averti, assez brillant. C’était un excellent arbitre. Il me disait : « N’allez pas plus loin ! Je pense que vous êtes sur le coup, juste là. Refaites-le ! » C’est comme ça que ça marchait, mois après mois, en pré-production. Nous l’amenions en studio et ce n’était pas totalement gravé dans le marbre, mais juste assez serré pour permettre une bonne dose d’improvisation.

Nous connaissions les gars qui avaient vraiment besoin de savoir quels étaient les arrangements, bien sûr, le [bassiste] Tom [Hamilton] et le [batteur] Joey [Kramer] parce qu’ils en posaient les bases. Si Joe ou Brad s’énervait un peu, il y avait de la place pour ça. Et Steven était toujours prêt ou disposé à tout moment à partir dans une autre direction. Dans les années 70, leur vie était vraiment consacrée au groupe.

Avec Aerosmith – mais aussi avec d’autres artistes avec lesquels vous avez travaillé – vous voyez-vous comme un patron, un égal ou quelqu’un qui répond à leurs besoins ?

Je n’ai jamais été le patron d’aucun de mes groupes avec lesquels j’ai travaillé. Je me suis toujours senti comme un intermédiaire ou un collaborateur. Et c’est le fait d’être un collaborateur qui me plaisait le plus. J’ai aussi aimé réaliser une vision, ce qui est la première chose que je veux savoir quand je me lance dans un projet : « Quelle est votre vision ? Ce n’est pas la mienne. Qu’essayez-vous de dire ? Comment puis-je la faciliter ? Pour moi, c’est toujours le plus grand défi, satisfaire la vision de l’artiste. Et ce sentiment que tout le monde est égal dans le studio, non seulement il a créé une très bonne ambiance, mais il a aussi permis de s’amuser beaucoup ensemble. C’est pourquoi j’ai eu quelques artistes qui ont aimé revenir parce que l’expérience de la réalisation du disque était joyeuse. Si je veux faire mes propres disques – et ces dernières années, j’ai composé des musiques de films – je peux être l’artiste d’une certaine manière et faciliter la tâche du réalisateur.

J’aime entendre parler de ces théories contradictoires sur la production, le cachet du producteur contre la vision de l’artiste ou une combinaison des deux.

Je ne pense pas avoir un « son », vraiment. Certaines personnes disent : « Oh, je savais que tu avais fait ce disque et tout le reste » et puis je dois craquer parce qu’en fait je n’ai pas fait ce disque. Si vous écoutez un disque de Cheap Trick et ensuite Double Fantasy [de John Lennon et Yoko Ono], je pense que vous verrez qu’il s’agit de deux disques très différents. Je suis conscient que la chanson mérite un son particulier, qu’elle a sa propre identité. Le son des chansons qui se rapproche le plus de la vérité ultime est celui de [Aerosmith] Rocks. Aujourd’hui encore, je pense que cet album est le plus proche de la vérité et c’est parce que l’environnement dans lequel il a été écrit est le même que celui dans lequel il a été enregistré.

L’environnement de recodage tend à fournir la base de ce qu’est la chanson. Et, bien sûr, le plus important est de soutenir les paroles.

Rocks a été réalisé à Waltham, Massachusetts, dans un entrepôt. Les clés dans lesquelles les chansons ont été écrites dépendaient toutes de l’environnement dans lequel nous étions. Après quelques semaines de répétition, la pièce a commencé à sonner vraiment bien. L’idée même de la déplacer hors de cette pièce semblait détruire tout ce qui se trouvait là où nous étions. Tout était écrit dans la pièce – sans compter les paroles, car les paroles venaient toujours en dernier – mais les mélodies de Steven. Ce disque, quand je l’ai mis, sonne comme la vérité.

Votre dernier projet lié à Aerosmith est le dernier de Joe Perry. Sur son album, vous êtes crédité comme « producteur associé ». Qu’est-ce que cela signifie ?

Cela signifie que je ne voulais pas vraiment faire le gros du travail, mais que j’étais prêt à faire le lifting ! Donc, j’étais là pour superviser ceci, superviser cela, faire venir les artistes, écrire certaines des chansons. Ce n’était pas un grand défi. Johnny [Depp] a fait le gros du travail et a joué dessus. Le plus gros travail que j’ai fait, c’était deux semaines avant de rentrer à la maison pour Noël. Joe m’a appelé de Floride et m’a dit qu’il y avait trois morceaux bonus [avec Robin Zander, Chris Robinson et Gary Cherone au chant] qu’il trouvait super, mais que nous n’avions pas vraiment fini, alors je les ai terminés.

Source : Best classic bands